ZWISCHEN DEKADENZ UND VERSCHWINDEN

Elle Przybyla

Das Opulente erzeugt, wenn es mit Zurückhaltung angegangen wird, eine Spannung, eine Schwingung zwischen einem Grundbedürfnis und einer intellektuellen Abkühlung. An jedem bestimmten Punkt neigen wir dazu, eher in die eine Richtung als in die andere zu kippen. Wie die Ecke eines Raumes, in der sich zwei Flächen treffen, sind Disziplin und Sinneswille getrennte Ebenen, die zusammenstoßen und manchmal einen Moment des Gleichgewichts bilden, der durch eine dünne Verbindungslinie gekennzeichnet ist, welche kaum wahrnehmbar und unmöglich zu besetzen ist. Bianca Regl fügt ihre Arbeit in diese Linie ein und verstärkt sie, um Einblicke in die gegnerischen, aber verwandten Kräfte zu erhalten, die im Spiel sind. Sie tut dies nicht nur mit ihrer Themenwahl – luxuriöse Gewandfalten, Stillleben und dem menschlichen Körper –, sondern auch durch ihre Technik selbst. Sie bewegt sich zwischen Figuration und Abstraktion, dichtem Material und leichten Pinselstrichen, während sie ihre Palette methodisch einsetzt, um einen visuellen Ausgleich zu erstellen.

Regls Werk anzusehen heißt, sich mit einer bestimmten Linie in der Malerei auseinanderzusetzen. Bianca schöpft stark, aber nicht ausschließlich, aus den klassischen westlichen Traditionen und den Werken der Alten Meister, insbesondere aus der Barockzeit. Obwohl ihre Referenzen klar angegeben werden können – sie gibt gelegentlich einen direkten Hinweis auf die Quelle der Inspiration durch ihre Titel –, bezieht sie auch Techniken selektiv ein, wodurch ihre Praxis vielschichtig und ihre Experimente nuancierter werden. In den Arbeiten der Serie Flowers and Two Passion Fruits (2017) spielt Regl mit Licht und Dunkelheit, wobei einige Gemälde Tenebrismus verwenden, um die Details in ihren monochromen Kompositionen zu formen. In anderen Fällen erhöht sie den Kontrast so stark, dass ein scheinbar fotografisches Negativ oder Röntgenbild entsteht, bei dem die Dimensionalität abgeflacht ist. Abhängig von ihrer Technik hat die Figur gehöhte Punkte, oder sie schwindet in den Hintergrund. Zusammen betrachtet sehen wir nicht nur Studien zu Farbe und Beleuchtung, sondern erleben auch unterschiedliche visuelle Texturen. Regls iterative Tendenzen zeigen ein Engagement für das Medium selbst und sie ist grundsätzlich in das investiert, was ein Gemälde leisten kann.

Während Regl voll und ganz in ihrer künstlerischen Disziplin arbeitet, zeigt ihre Zusammenarbeit mit der Architektin Eldine Heep in Grammar Of Disappearance (2019), wie flexibel und rhythmisch ihre Praxis sein kann. Die Prämisse, durch einen reaktiven und plastischen Prozess, der vom Beitrag eines Anderen abhängig ist, eine neue Einstellung zum Stillleben zu schaffen, ist ein Risiko. Aber die Präzision, mit der sie ihre Bilder auf der Grundlage von Heeps ständig wechselnden, digital produzierten Modellen überarbeitet, setzt ihre Arbeit einem natürlichen Zerfall in die Abstraktion aus. Und vielleicht ist es in ihren rein abstrakten Werken, wo Regl am zügellosesten wird. In dem größten ihrer Bilder dieser Serie (Grammar Of Disappearance, painting # 9) konstruiert sie einen Wandteppich aus Komplementärfarben, der eine visuelle Sensation erschafft. Samtiges Purpur und Gelbgrün erzeugen eine scheinbar schimmernde Oberfläche, die die Sinne zu einer materiellen Fülle anregt, zu einer Bereicherung, die man privat besitzt. Die Haptik des gemusterten Reliefs erinnert an ihre früheren Wallpaper – und Brokat-Bilder (2014). Diese Bilder sind eher Verschleierung als direkte Anhaltspunkte und besitzen eine Erotik, einen suggestiven Reiz, der die Intrigen des häuslichen Bereichs mit all seinen Ritualen und Anspielungen verdeutlicht. Die „vergoldeten“ Reflexionseigenschaften, die Regl erzielt, sind jedoch möglicherweise nicht immer so, wie sie scheinen. Wir sind geblendet und sehen uns doch der Tatsache gegenüber, dass nicht alles, was glänzt, Gold ist.

Obwohl Regls Arbeit nicht offen politisch ist, ist sie nicht aussagelos. Eine ihrer augenfälligsten Aussagen ist in ihrer Stucco-Serie (2016) zu erkennen, in der Regl uns einen unangenehmen Widerspruch vorlegt. Die weißen, kunstvoll skulpturalen Gemälde muten häuslich an und erinnern an Stuckleisten oder, noch unmittelbarer, an Hochzeitstorten. Jedes Stück hat eine essbare Qualität mit überbordenden Zuckergussrändern, die anscheinend von Paspelierspitzen und Spritztüllen gefertigt wurden. Eines trägt die Aufschrift „Nein heißt Nein“ –  die eindeutige Erklärung, dass das Fehlen einer Einwilligung keine Interpretationsschattierungen aufweist. Hier sehen wir die Grenzen der körperlichen Nachsicht, die Notwendigkeit, die Regeln des Vergnügens klar zu befolgen, insbesondere wenn sie innerhalb der Institution der Ehe verborgen sind, wo Gewalt allzu zulässig sein kann, wenn sie durch Pflichtvorstellungen gebunden ist. Die Tatsache, dass wir diese Bilder trotz des intuitiven Gefühls, dass sie in unserem Mund schmelzen würden, nicht konsumieren können, verhärtet die Entschlossenheit. Gleichzeitig mildert ihre feierliche, fast skurrile, dekorative Qualität die Botschaft: Obwohl nicht weniger kraftvoll, ist sie ästhetisch verdaulich.

Regls systematische Herangehensweise an Porträtmalerei und figurative Malerei, wie ihre rigorose Arbeit mit Farben und Experimente in pastosem Material, unterstreicht ihre Neigung zur Meisterschaft. Zeitgenössische figurative Arbeiten – deren Wiederaufleben ebenso die Gewichtung von Repräsentation verhandelt, als auch die Dokumentation unserer Präsentation gegenüber der Welt (so überfordert wie wir in einer Ära des Streaming von Selfies und des Strebens nach Lifestyle-Schnappschüssen sind) zu sein scheinen – kann weitgehend ein Vehikel für die Erzählung hinter den Bildern sein.

Die derzeitige künstlerische Entscheidung scheint darin zu bestehen, sich entweder mit dem Einfluss der Technologie auf ein dauerhaftes Medium auseinanderzusetzen oder die stille Geschichte und Farbe in den Auslassungen zu berichten. Fehlt ein Element, das mit einem unmittelbaren gesellschaftspolitischen Imperativ in Einklang steht, kann der Vorstoß eines Künstlers in die figurative Arbeit als rein akademische oder formale Übung abgetan werden. Doch das Handwerk kann Anker sein und letztendlich die Freiheit bieten, vorsätzlich festgemacht zu werden. Während Regls zurückhaltende Aufmerksamkeit für den Formalismus beruhigend sein kann – im Allgemeinen ist Abwesenheit eine direkte Konfrontation oder Herausforderung für den Betrachter, die Bedeutung zu dekonstruieren –, erzeugen ihre absichtlichen Löschungen eine prekäre Präsenz, als ob die Subjekte entweder aus den Schatten auftauchen oder sich in die Schatten zurückziehen. Im Gegensatz zur Porträtmalerei, bei der allgemeinere Vorstellungen von Identität ebenso Gegenstand einer Arbeit sind wie die abgebildete Person, gibt Regl ihre Porträts von der Verantwortung frei, eine Geschichte erzählen zu müssen oder in irgendeiner Weise sensationell zu sein.

In ihren jüngsten figurativen Arbeiten Setting / Rising (Gesture) und Setting / Rising (Movers) präsentiert Regl eine Studie von Zuständen, in denen die Kinetik den Voraussetzungen der Leinwand entspricht. Diese Gemälde, die durch Figuren mit unterschiedlichen Körperhaltungen und sattgetönten, gestischen Pinselstrichen gekennzeichnet sind, verleihen der Leinwand nicht nur Bewegung, sondern erinnern auch an die Körperlichkeit, die mit dem Malen einhergeht. Während die großformatigen Gemälde in Setting / Rising (Gesture) die Anmut und Athletik des Tanzes besitzen, stellen einige der kleineren Arbeiten in Setting / Rising (Movers) dramatische Momente dar, die erneut in Frage stellen, wie die Ästhetik den Schlag abfedern kann.

In Movers kehrt Regl zum Barock zurück und greift Gian Lorenzo Berninis torquierte mythologische Figuren als Thema auf. Mitten im Geschehen, mit Körpern, die so verzweifelt sind, sich zu befreien, geht ihre Notlage über die bloße Darstellung einer Szene hinaus. Die Protagonisten scheinen sich den Grenzen ihrer materiellen Realität zu widersetzen. In einem Gemälde – eines von mehreren mit dem Namen Untitled (After Bernini) – zeigt Regl mit titelhaftem Schweigen den Raub der Proserpina. Es ist eine Interpretation einer Interpretation. 

Regl arbeitet im Gegensatz zu Berninis boomender Version der Ereignisse, in denen Plutos Wunsch, in absolutem Besitz des Fleisches zu sein, ein fast hörbarer Kampf ist.

Regl präpariert die gedämpfte andere Seite und versetzt Pluto in Abwesenheit. Beide heben Proserpina in Autonomie und deuten auf das Trauma hin, das im körperlichen Gedächtnis eingeprägt ist. Die Künstlerin leert das Volumen von Proserpinas Oberschenkel, indem sie Löschbereiche einführt, an denen Plutos Hand sie ergreift – der Punkt, an dem Bernini den Marmor meisterhaft mit weichen Vertiefungen geschmeidig macht. Während Proserpina um die Flucht kämpft, verschwindet ihr Körper und Regl markiert diese Abwesenheit, indem sie gezogene Pinselspure aufdeckt, die an eine anatomische Zeichnung erinnern. Proserpinas abgeflachte, teilweise abstrahierte Figur wird weniger zum Objekt, sondern zum Subjekt oder zur Idee.

Die Kraft in Regls Arbeit liegt oft in den Auslassungen. Sie schult ihr Auge an den Spuren, den Indikationen und nicht den Ereignissen selbst, und wir müssen die Lücken schließen. Während es eine spürbare Ehrfurcht vor den Sinnen gibt, wendet sie eine Zurückhaltung an, die zuweilen als Ausdruck von Entscheidungsfreiheit und zuweilen als Andeutung eines zweideutigen Nachspiels erscheint.

Während ihrer Arbeit gibt es punktuelle Momente, in denen sie uns zwingt, über die Stille und das Schweigen, die unausgesprochenen Folgen von Extremen nachzudenken. Während sie die Freuden des Begehrens nicht negiert, erinnert sie uns an die Grenze zwischen dem absoluten Hochgefühl des Seins und dem Verschwinden, wenn Grenzen überschritten werden. Gemälde haben wie Bücher falsche Krisen erlebt: Etwas ist immer tot – bis es es nicht mehr ist. Die Aufgabe, etwas Neues in das Medium zu bringen, ist jedoch gewaltig. Regl arbeitet auf der Leinwand, um den Schwerpunkt ständig zu verändern, und erinnert uns an die Bedeutung der erforderlichen Sorgfalt.